Клубочек
Стихи Проза Фото Живопись Музыка Конкурсы Кафедра Золотые строки Публикации авторов Форум
О сайте
Контакты Очевидец Клубочек в лицах Поэтический словарь Вопросы и ответы Книга месяца Слава Царствия Твоего
Главная - Живопись - Советы художника - Критерии оценки искусства


Критерии оценки искусства


    Термин «искусство», определение «искусство» можно отнести к самым разным объектам — от доисторических рисунков на камнях и керамике до завалов бытовым и производственным хламом в художественных галереях. Но хотя к области искусства относят также музыку, театр, балет и литературу, чаще всего этот термин подразумевает изобразительное искусство и, в первую очередь, живопись.


Базиль Фредерик. Мастерская художника на улице Кондамин.


    Веками люди пытались понять, что же такое искусство. Художники и искусствоведы воевали и спорили, придерживаясь самых разных мнений. (Французский художник Мане так сильно разошелся во взглядах с одним из критиков, что вызвал его на дуэль.) Существует множество спорных вопросов, но нет и, видно, не будет никогда однозначных, вразумительных ответов. У всех свои вкусы и мнения — и только вам выбирать, что вам больше по душе.


Винсент Ван Гог. Звездная ночь. Сен-Реми.


    Для кого-то искусство должно быть, прежде всего, прекрасным, для других — реалистичным, третьим важнее, передает ли оно настроение или чувство. Сколько в мире самых разнообразных картин: одни отличается почти фотографической точностью, другие намного схематичнее, зато очень точно передают настроение…
    Одни люди полагают, что искусство должно выражать определенные идеи, другие предпочитают наслаждаться искусством ради искусства. Как раз по этому поводу импрессионисты и вели горячие споры — кто-то из них считал, что нужно воспроизводить сцены из современной жизни, других более интересовало изучение влияния света на предметы.
    Часто становится предметом ожесточенных споров и стоимость произведений искусства. Винсент ван Гог умер в нищете, так как никто не хотел покупать его картины, а в наши дни работы ван Гога стоят в ряду самых ценных произведений искусства в мире.
    
    Сегодня больше чем когда-либо от искусства требуют новизны и оригинальности. Художники постоянно стремятся раздвинуть границы того, что мы привыкли называть искусством. Воображение публики поражают и огромные суммы, которые коллекционеры подчас готовы платить за произведения «нового искусства». Сегодня среди предметов, которые выставляют художники, можно найти велосипедное колесо, поставленное на табуретку; изображение трубы с табличкой «Это не труба»; груду кирпича; чистое белое полотно; кучу мусора, оставшегося после банкета; кровать с неубранной постелью… По-вашему, это похоже на искусство? Вероятнее всего, вы вообще не ожидаете встретить подобные вещи в художественной галерее! Разве то, что они находятся здесь, делает их искусством? Однако они способны вызвать бурную реакцию и заставить взглянуть на вещи по-новому — а ведь именно к этому нередко стремятся и произведения традиционной живописи.


Гольбейн Ганс. Посланники.


    Если мы обратимся к истории искусств, то сможем увидеть, как менялись художественные стили и приемы с течением времени. Но лишь одно оставалось неизменным – настоящее произведение всегда должно волновать душу, не оставлять равнодушным никого…
    Многие люди интересуются, существуют ли какие-нибудь правила относительно просмотра картин? Я думаю, что для того, чтобы наслаждаться созерцанием живописного полотна, необязательно много знать о живописи, но знания, возможно, помогут вам получить больше удовольствия от картин.
    В зависимости от того, что изображено, произведения живописи делятся на несколько групп, или жанров. Основные жанры: портрет, пейзаж и натюрморт. Некоторые картины вообще трудно отнести к определенному жанру. И таких картин становится всё больше и больше.
    В произведениях живописи всё пространство, как правило, организовано: его композиция такова, что заставляет нас воспринимать картину определенным образом. Наиболее важные персонажи или предметы, которые должны привлечь внимание зрителя, могут выделяться размерами, яркостью красок; художник может поместить их в центре полотна.
    
    Чтобы помочь зрителю понять смысл картины, художники зачастую помещают на ней скрытые подсказки — символы. Иногда они связаны с общими понятиями. Например, книга символизируют учение, меч или другое оружие - битвы, а цветущая ветвь дерева или цветок— красоту и наслаждение. Кроме того, символы помогают понять, кто изображен на картине. Известные персонажи, например святые, часто изображаются с символическими предметами, ассоциирующимися с историей их жизни, так что знатоки могут понять, кого художник представил на своей картине. На любых картинах можно найти множество подсказок – вот только нужно знать, что искать.
    Для восприятия картины также очень важно знать, с какой целью она создавалась: хотел ли художник украсить ею дворец или писал ее для церкви? А может быть, предназначал для выставки в галерее, где она восхищала бы посетителей своей красотой или заставляла бы их задуматься о выраженных в ней идеях? Есть ли в произведении какой-нибудь политический, социальный или моральный подтекст или главное в нем — выразить эмоции?
    Хотя… Художник Ренуар писал, что ему вздумается, а люди покупали его картины просто потому, что они им нравились.
    При изучении произведений живописи заслуживают внимания не только стиль изображения, но и сами краски. Художественные материалы и приемы менялись. Манера письма так же индивидуальна, как почерк. Некоторые художники кладут краски ровно, создавая гладкую поверхность, другие пользуются раздельными, иногда резкими мазками. Например, Рафаэль накладывал краски тонкими, мелкими мазками, чтобы получить ровную, заглаженную поверхность. А Ренуар, напротив, писал в быстрой, свободной манере. В сгустках краски на его картинах очень часто отчетливо видны следы кисти.
    Надо задать себе и еще один вопрос: нравится ли вам картина или нет — и почему? Искусство вызывает у людей глубоко личные чувства, так что можно сказать, что это дело вкуса, а вкусы меняются. В области вкуса нет правил. Вы сами должны составить мнение об увиденных картинах. Поэтому у людей могут быть весьма разные представления о том, что такое хорошая живопись.
    
Немного о портрете.


Неллер, сер Годфри. Портрет Джона, первого герцога Мальборо.


    Жанр портрета существует уже тысячи лет. В древности портреты создавались главным образом для того, чтобы почтить мертвых. Однако уже к XV веку портреты стали заказывать по самым разным поводам. Небольшие портреты часто дарили на память. Большие парадные портреты обычно служили целям прославления моделей — они создавали величественные образы важных общественных деятелей.
    Сегодня, чтобы представить, как выглядит человек, мы смотрим на его фотографию, а до изобретения фотографии приходилось использовать живописные портреты. Поэтому художник внимательно относился к передаче черт лица, часто даже сознательно преувеличивая характерные детали, например большой нос, чтобы подчеркнуть сходство с оригиналом.
    Но портрет не просто передает физическое сходство. Это всегда еще и способ создания определенного образа человека, раскрытие его внутреннего «Я». Вот почему художник выбирает позу, выражение лица, одежду таким образом, чтобы показать модель с наиболее выгодной точки зрения и передать суть характера и социальное положение позирующего человека. Многие портретисты, кстати, добились успеха именно потому, что умели польстить оригиналу.


Клее Пауль. Сенекио.


    Когда в XVI веке появились качественные зеркала, многие художники начали писать автопортреты. Это давало им возможность изучать собственную внешность и характер, а также практиковаться в использовании новых приемов, не думая о том, понравятся ли эти эксперименты кому-нибудь. С другой стороны, автопортрет позволял художнику продемонстрировать свое мастерство тем людям, которые могли бы заказать собственные портреты, то есть был чем-то вроде ранней формы рекламы.


Де Кунинг Виллем. Мэрилин Монро.


    Портретисты уделяют большое внимание выбору соответствующего реквизита и аксессуаров, способных отражать характер и образ жизни человека, — например, свидетельствовать о роде его занятий. Предметы на портрете могут рассказать целую историю. На некоторых старых семейных портретах изображена детская кроватка: намек на умершего ребенка — такое, к сожалению, случалось довольно часто. Мода в живописи менялась постоянно. Так, на портретах XVII века мы обычно видим простой темный фон, а в XVIII веке становится популярным изображение модели на фоне живописного пейзажа.
    Произведения живописи всегда стоили дорого, в то время как за фотографию не нужно платить больших денег. Надо ли удивляться, что после изобретения фотографии (а это произошло почти 200 лет назад) желающих заказать художникам свои портреты становилось все меньше. Но некоторые художники попытались превзойти фотографов, используя качественно новые живописные приемы.
    Хотя обычно портрет запечатлевает человека только с одного угла зрения: в профиль, анфас или в три четверти, иногда художники добавляли еще один ракурс — в виде скульптуры или отражения. Художники Нового времени (например, Пабло Пикассо) развили эту тенденцию, соединив в одной картине пересекающиеся изображения человека, как бы видимого под разными углами. Может быть, такой портрет кажется странным и менее реалистичным, чем произведение, выполненное в традиционном стиле живописи, но, используя сразу несколько точек зрения, художники стремились к более полному изображению человека.
    
Немного о пейзаже.


Эдуард Мане. Завтрак на траве.


    В Средние века считалось, что сама по себе природа не может стать темой картины. Обычно пейзажи появлялись на полотнах в качестве фона для какой-нибудь исторической сцены. Иногда пейзаж состоял всего лишь из нескольких скал — одно руководство по живописи XIV века даже советовало художникам нагромождать на заднем плане скалы. Но в XVI—XVII веках отношение к пейзажам стало меняться.


Макс Херман Пехштейн. Луг в Морицбурге.


    В XV веке художники начали постигать законы перспективы. Это революционное открытие позволило им точнее изображать пространство. Следовательно, они смогли создавать более реалистичные пейзажи. Постепенно стали появляться картины, где пейзаж играл более важную роль, чем люди, и даже картины, где вовсе не было людей.
    К XVII веку природа стала популярной темой в живописи, а пейзаж — полноправным жанром. Художники, особенно в Северной Европе, создавали огромное количество пейзажей — от воображаемых идиллических сцен до подробнейших видов реальных мест.
    Первые пейзажисты не создавали картины прямо на месте, на природе. Сделав несколько набросков, они возвращались в студию и уже там заканчивали свои полотна. Но в середине XIX века возникла мода писать картины на открытом воздухе. Художников вдохновляла изменчивая игра света и атмосферных явлений, и они стремились писать пейзажи непосредственно «с натуры».
    С течением времени отношение художников к пейзажам менялось не меньше, чем сами пейзажи. За последнее столетие появилось особенно много разнообразных стилей — от пугающих урбанистических пейзажей кубистов и лирических городских видов до «лэнд-арта» (художники этого направления работают с самим пейзажем, используя для создания своих произведений землю, камни и другие природные материалы). Источником вдохновения для художников «лэнд-арта» служит окружающий ландшафт, а их произведения затем становятся его частью.
    
Немного о натюрморте.


Ян Давидс Де Хем. Натюрморт с десертом


    Натюрморт — это изображение неподвижных объектов, таких, как цветы или фрукты, музыкальные инструменты и т. д.
    До конца XIX века основные принципы создания натюрмортов определялись стремлением сделать их как можно реалистичными. И художники достигли в этом такого мастерства, что могли изобразить все что одно — от грозди винограда, который просто просится в рот, до кувшинов и мисок, которые, кажется, выступают из плоскости картины.
    Создание натюрморта требует большого мастерства. Художнику необходимо составить интересную композицию, передать свет, фактуру предметов. Самые «правдоподобные» произведения этого жанра носят название «обманка» — trompe l`oeil. Такие картины заставляют вас поверить, что вы смотрите на реальные объемные предметы, а не на покрытую краской плоскость. Впрочем, критики вплоть до XIX века пренебрежительно относились к искусству натюрморта — они видели в нем лишь упражнение в живописной технике.


Уэйн Тибо. Самые разные торты.


    Натюрморты впервые появились в Древней Греции и Риме, там они были частью настенных росписей в богатых домах. Позже, в Средние века и в эпоху Возрождения, мы находим натюрморты чаще всего в качестве деталей на картинах других жанров. Например, рядом с изображением Девы Марии часто помещали вазу с лилиями, символизирующими ее чистоту. Самостоятельным жанром натюрморт становится только в XVII веке. Очень скоро натюрморты завоевали популярность среди широких слоев населения, возможно, потому, что для их понимания не требовалось знать античные мифы или библейскую историю.
    В XIX веке натюрморты становятся менее реалистичными: художники все больше экспериментировали, стремясь выразить в натюрмортах свои чувства. Часто живописцы изображают предметы, имеющие особое значение лично для них, а техника и цветовая палитра отражают скорее их чувства, чем реальный облик вещей. По словам французского художника Эдуарда Мане, «художник может выразить все, что он хочет, в плоде или цветке».


Никола Де Сталь. Красные бутылки.


    В наши дни художники продолжают экспериментировать. Сегодня натюрморт не обязательно писать красками: обычные, повседневные предметы, которые раньше изображали на полотне, сами по себе могут стать произведениями искусства. Например, в 60-х годах XX века американский художник Энди Уорхол выставил копии коробок из-под стирального порошка в натуральную величину.
    Натюрморт может быть простым изображением предметов, а может и заключать в себе какой-то скрытый смысл. Часто художники составляют композицию, выражающую определенные идеи. Так, книги символизируют знания, музыкальные инструменты — наслаждение, а черепа, трепещущие языки пламени или гниющие фрукты призваны напоминать о смерти. Картины со скрытым символическим смыслом называются аллегориями. Аллегорические картины стали настолько популярны, что некоторые художники почти полностью посвятили себя этому жанру.
    
Немного о современном искусстве.

    
    Еще в XIX веке развитие химии привело к появлению более ярких красок, изготовленных на основе искусственных, а не натуральных пигментов. Художникам стали доступны натянутые на подрамники холсты, готовые краски, а также новые виды кистей. В прошлом щетина для кисти собиралась в пучок, а затем перевязывалась нитью. Щетина новых кистей была закреплена металлической полоской, поэтому их можно было делать плоскими, такие кисти позволяли класть более ровные мазки.


Крэг Тони. Выветренный пейзаж.


    За последние сто лет появилось множество новых художественных приемов и методов работы. В начале XX века возник коллаж — вид искусства, где на картину приклеивают ткань, газеты и другие материалы. Затем, в 1950-е годы, был изобретен совершенно новый вид краски — акрил. На картинах акриловые краски похожи на масляные, но сохнут они гораздо быстрее. В наши дни художники продолжают экспериментировать и используют все — от флуоресцентных огней и пленки до скомканной бумаги и слоновьего навоза.
    Часто современные художники переносят искусство из картинных галерей в места, традиционно с ним не ассоциирующиеся. Начиная с 1970-х годов, многие художники работают над пейзажами не в живописном, а в реальном виде и создают композиции прямо под открытым небом, а затем уже их запечатлевают.
    Я уже упоминала выше о таком подходе к пейзажу, который получил название «лэнд-арт». Часто композиции таких художников задумываются как временные, и отражает изменения, происходящие в природе. Например, скульптуры изо льда – они тают, а потом существуют только на фотографиях.
    Многие современные художники с успехом пользуются возможностями, которые предоставляют новые технологии, и включают в свои работы фотографии, видеозаписи и компьютерную графику.


Барбара Хепворт. Пустотелая форма с белой внутренней поверхностью.


    Как видите, в наши дни искусство удивительно многообразно. Современные художники работают практически с любыми материалами — от масляных красок до видеозаписей и даже тел животных. Однако эти произведения разрабатывают те же темы и идеи, которые всегда присутствовали в живописи.
    


Дикон Ричард. Рыба, вытащенная из воды.


    
    Статья подготовлена Слезкиной Ольгой.
     © 2009.
    
    Картины:
    Базиль Фредерик. Мастерская художника на улице Кондамин.
    Винсент Ван Гог. Звездная ночь. Сен-Реми.
    Гольбейн Ганс. Посланники.
    Неллер, сер Годфри. Портрет Джона, первого герцога Мальборо.
    Клее Пауль. Сенекио.
    Де Кунинг Виллем. Мэрилин Монро.
    Эдуард Мане. Завтрак на траве.
    Макс Херман Пехштейн. Луг в Морицбурге.
    Ян Давидс Де Хем. Натюрморт с десертом.
    Уэйн Тибо. Самые разные торты.
    Никола Де Сталь. Красные бутылки.
    Крэг Тони. Выветренный пейзаж.
    Барбара Хепворт. Пустотелая форма с белой внутренней поверхностью.
    Дикон Ричард. Рыба, вытащенная из воды.
    


Напишите свой комментарий.
Тема:
Текст*:
Логин* Пароль*

* - это поле не оставляйте пустым


Главная - Живопись - Советы художника - Критерии оценки искусства

Rambler's Top100
Copyright © 2003-2015
clubochek.ru